Карапаев Юрий

Год рождения – 1936. Родился в учительской семье, в г. Клин Московской обл. Там в 1954 году окончил школу, после чего стал учиться в Федоскинском художественном училище. Работать остался там же, в Федоскино, - на фабрике народных промыслов: расписывал шкатулки, медальоны, вставки в ювелирные изделия. За время работы в Федоскинских мастерских он создал свыше сотни произведений лаковой живописи. Стал членом Союза художников в 1967 году. В 1980 году – получил звание «Заслуженный художник России», а в 1995 – «Народный художник России». С 1957 года начал принимать участие в многочисленных значимых выставках в России и за рубежом. Прошло немало персональных выставок художника. Его картины сегодня находятся во многих отечественных музеях, частных собраниях произведений живописи, иностранных посольствах. За свои работы в жанре лаковой и станковой живописи Карапаев не единожды награждался дипломами, медалями, премиями выставок и конкурсов.

Среди его наград – золотая медаль Федерации профессиональных художников "Подмосковье" «За вклад в искусство», которой он был награжден в 2007 году.

Его имя носит Выставочный зал Клинского музейного объединения – с 30 сентября 2010 года.

В 2009 году готовилась к проведению персональная выставка Юрия Васильевича Карапаева, в Выставочном зале КМО, но 30 сентября художника не стало… Выставка прошла как выставка его памяти.

Живопись Юрия Карапаева

В его творчестве просматривается развитие лучших традиций русских мастеров пейзажной живописи – с первых работ до зрелых полотен. Его работам присуща преемственность, характерная как для художников, чье становление происходит на народных промыслах, так и для выдающихся пейзажистов, обогативших отечественную школу пленэрной живописи. Творчество Юрия Карапаева и разрабатывавших школу русского пейзажа его предшественников имеет общие черты: стремление к лиризму природных мотивов и приверженности правде живописуемого. Художник не стремился кому-то подражать или сделать свое творчество определенным этапом в развитии живописи, он, как истинные мастера лирического пейзажа, выражал важный идейный смысл посредством эмоционального переживания, применяя с этой целью разнообразные художественные средства и приемы.

Карапаев словно бы чувствовал внутреннюю музыку и поэзию природы, ее состояний и происходящих в ней процессов, и передавал эти волнующие ощущения зрителю. Художественный образ, передаваемый им, всегда верен действительности, а изобразительных средств на его создание художник не жалел. Лирический пейзаж, пройдя через душу художника, приобретает новый смысл и раскрывает перед зрителем уже непосредственно саму душу природы, и сам художник становится кем-то вроде зрителя, потому что не хочет нарушить естественное обаяние натуры, волшебство общения с ней.

На дворе - эпоха индустриального капитализма и экологических катастроф, и при этом созерцательность картин, наивная и трогательная: лес, река, простые полевые цветы – раскрывает перед зрителем глубочайший, общечеловеческий смысл.

Один из основополагающих принципов искусства Юрия Карапаева – единство идеи и художественной формы. Но в сравнении с работами художников первой половины 20 века, в его работах наиболее действенна сама материальная структура, их самобытный язык. Не одни только сюжетно-образные средства показывают движение природы в его картинах, а и выразительный, фактурно осязаемый мазок, повторяющий изгибы линий и форм. Он делает акцент, он откровенно открыт, позволяя отобразить разнообразие бытия родной природы, в то же время этот мазок динамичен, и это захватывает зрителя, помогает почувствовать материальность изображенного.

Карапаев пишет в унисон процессам, происходящим в природе, не нарушая целостность картины, а вплетаясь в ее живописное единство. Карапаевский мазок отличается удивительной полицветностью структуры. Казалось бы, нанесенный кистью либо мастихином динамичный след на холсте должен быть моноцветным. Однако, вглядываясь в каждый отдельный мазок, можно увидеть россыпь разноцветных штрихов и точек, творящих высокую гармонию цвета. Именно поэтому репродукции картин мастера не передают во всей тонкости уникальность его письма. Его картины нужно видеть в оригинале, и это необходимо потому еще, что, оставаясь наедине с этими картинами, зритель как бы ведет диалог с самим художником, своеобразно истолковывающим собственное творчество. Образ природы зачаровывает зрителя, а вместе с тем отражает впечатление о нем создателя картины. Одно полотно совмещает в себе широту души поэта и бережную осторожность ювелира (последнее – результат десятилетий работы Карапаева в технике федоскинской росписи), раскрывая перед нами самозабвенное увлечение художника и умение вновь вернуться к действительности. Как это присуще лучшим произведениям живописи прошлого века, так и здесь – глядя на произведение, зритель словно видит рядом с ним самого художника.

«Прощеное воскресенье» - картина, созданная в 1997 году – показывает, насколько близка автору изображенная им сельская церковь, в которую он приходит в воскресные дни, дни трудные и светлые. Картина «Раздумье» 2001 года словно наяву показывает, как много неприютных разбитых русских дорог отмерил художник с этюдником за плечами, и как они остаются им любимы, эти дороги.

Искусство Карапаева по своему содержанию – это искусство натуры. Пишет он только непосредственно на природе и лишь тот мотив, который соответствует его внутренней сущности и способен захватить его целиком. Впитывая в себя вместе с красками настроение автора, отраженный пейзаж превращается в поэтический образ, приобретая независимость. К примеру, «Дубрава», картина 2001 года, воплощает былинный образ богатырской мощи, который силен и славен, но он уже в прошлом. Дубрава – это образ страны или личности, чья мощь и расцвет неизбежно уходят. Понимая закономерность законов этого мира (этому научила его природа), художник создает образ, воспевающий прошедшие героические дни. Юрий Васильевич Карапаев – великолепный колорист. Ему присуща обобщенная, широкая манера письма. Использование контрастов света и цветовых аккордов, словно звучащих на повышенных тонах, придает произведениям художника почти декоративный характер (например, «Иван-чай цветет», 2006 г., «Теплый денек», 1991 г.). Наряду с многокрасочными пейзажами он создает почти монохромные картины, соблюденные в единой лаконичной цветовой гамме (картина «Сон», 2007 г.).

Столь широкий диапазон творчества в течение многих лет художественного поиска объясняется многогранностью таланта, его уникальностью. Художник никогда не помещает на плоскости картины предметных красок природы, для него достижение гармонии возможно за счет точного выбора контрастов, размеров и размещения цветовых пятен.

Глаз мастера особым образом воспитан: он умеет точно уловить настоящую гармонию природы через видимые или отраженные световые блики и художественно отобразить ее.

Его произведения сочетают в себе наработки традиционной реалистичной живописи и импрессионизма, являющегося по сути закономерным этапом сближения искусства и действительности. Карапаев берет на вооружение возможность воссоздания на полотне световоздушной среды путем разложения существующих в природе тоном на цвета солнечного спектра и синтезируя их в глазах зрителя. Мироощущение художника – родом из импрессионизма – активизирует восприятие действительности, делает более ощутимой свежесть полотен, более непосредственными впечатления, а игра цвета будто бы размывает границы реального и иллюзорного пространства. Небольшого формата картина «Полевые цветы» 2005 г. невероятно сильно передает ощущение безграничного простора русского раздолья: такое чувство можно пережить лишь на самом летнем поле. Цветовая радость и свобода просачивается к зрителю, родившись от сочетания мазков оранжевого, желтого, синего и изумрудно-зеленого. Однако, вглядевшись, вы ощутите легкую печаль от тонкой связи этих же цветов в колорите картины. Картину «Полевые цветы» можно назвать одной из лучших работ художника в последние годы его творчества.

Зачастую Карапаев не пускал в свои полотна чрезмерную детализацию, можно не увидеть предметов дальнего плана, поскольку автор словно не придает значения существующему там, стремясь видеть лишь световое пятно. Однако, общий тон выбран настолько верно, отношения между отдельными предметами подчеркнуты столь точно, что общее состояние природы и ее настоящая жизнь переданы очень верно. Картина «Золотой вечер» (2001 г.)позволяет зрителю физически прочувствовать минуты затишья, необычайных природных контрастов, присущих лишь летним часам под вечер, когда дневной жар спадает, а природа вокруг наполняется спокойным теплом. Небо начинает темнеть, а озеро светится, отражая солнца, клонящегося к закату. При всем том на полотне нельзя различить отдельные деревья, отделить взглядом камыш от прибрежного кустика, увидеть, какие птицы кружат над водоемом. Все определяют цветовые контрасты, но – удивительно – зритель представляет себе каждую деталь и каждый предмет. Это потрясающее умение настоящего художника – не прибегая к детализации, передавать подлинную жизнь и творить поэтические образы.

Естественно, в палитре любого большого художника есть его любимые смеси красок, эта палитра уникальна по набору красок. Такова и палитра Карапаева. Его картины узнаваемы по нежным оттенкам синего, зеленого, по непревзойденному розово-лиловому цвету иван-чая, без которого невозможны многие его пейзажи русского перелеска. И постоянно колористика полотен художника обогащена разными видами контрастов – контрастов цвета и света. Удивительное мастерство используемых автором противопоставлений позволяет понять уровень его художественного мышления.

Завораживает картина «Ревень» (2007 г.), на которой самый совершенный по мнению Гете – пурпурный – цвет контрастирует с зеленым, вместе с тем вступая с ним в отношения глубокой гармонии.

Пурпурный цвет соединяет активную и пассивную части цветового круга в наибольшем их напряжении и воплощает в себе, если употребить метафору, - «достоинство старости». В противоположность этому цвету, зеленый олицетворяет «прелесть молодости» и снимает напряжение. Ревень – одно из наиболее жизнестойких растений, изображая его через контраст зеленого и пурпурного, художник призывает зрителя размышлять о противоречивости старости и юности.

Карапаев рассуждает о пришедшем с годами опыте, о любви к жизни одними лишь средствами контраста композиции и цвета. Через живопись он становится прекрасным собеседником – таким же, как и в живом общении.

Так же, как тяжело передать словами красоту цвета, так же непросто объяснить выразительность цветов и цветовых сочетаний, характерную работам Ю.В. Карапаева. Выбор мастера всегда базируется на эмоциональном опыте, в котором слышны нотки человеческих чувств и настроений. Именно заложенные школой лаковой росписи национальные традиции сделали цвет его картин особо эмоциональным, что чувствует зритель, рассматривающий его полотна. Он видит непрерывные переходы разных цветовых рядов, существующих рядом и вдруг пересекающихся в точках наибольшего светового напряжения. В этих местах создаются контрасты, но эти контрасты только объединяют картину, не несут противоречий. Яркий пример сказанному – картина «Стынет» (1998 г.): на полотне цветовые ряды сине-голубой и розово-желтый пересекаются, давая удивительный акцент на стыке. И именно этот акцент дает ощущение холодного, настоящего морозного вечера. Этот пронизывающий природу холод усиливается несколько неестественным свечением яркого красно-кораллового неба. Эти оттенки теплого цветового ряда в таком контрасте только усиливают отображенное на картине состояние природы.

На полотнах Карапаева цветовые ряды то встречаются, то прерываются, и это создает удивительную мелодику восприятия. Знакомясь с его творчеством, начинаешь понимать, что у художественного и музыкального творчества основа – одна. Картины выстроены по цвету, и мы видим взаимное влияние, внутреннее сцепление цветовых зон. Идеи художника становятся доступными благодаря красоте цветовых сочетаний и изобразительной силе цвета, который автор отыскивает интуитивно, под воздействием музыки, звучащей в душе.

Глаз Ю.В. Карапаева воспитан на творческих традициях А. К. Саврасова, Ю.С. Жуковского, И. И. Левитана: его картины вмещают в себе и световую среду. Причем, солнца непосредственно нет ни на одном из полотен, но источник света – есть, и его действие на предметы осязаемо. Ни цвет леса, ни воды, ни трав в реалистичных полотнах нигде не показан открыто: он полон игрой рефлексов, все время покрыт легким воздушным слоем. У Карапаева цвет всегда представляет собой сложную систему оттенков. Живопись, в которой применяются традиционные материалы, не может использовать пространственные цвета. Однако, настоящий мастер находит возможность отобразить в своем полотне пространственный цвет. Ему на помощь приходит своеобразный способ контрастного расположения красок с еле заметными переходами, создающий иллюзию появляющихся и исчезающих предметов и отражений. Рассматривая картину «Околица» (2006 г.), зритель уловит эффект особенной освещенности расположенных рядом соцветий, стеблей, старого забора, подчеркнутую удивительным образом голубизну небес, насыщенность полотна летним воздухом. Еще больше свидетельствуют о мастерстве отображения окружающего пространства зимние пейзажи, место которых в творчестве Юрия Карапаева весьма значительно. Переменчивость цвета и тени, игра холодных и теплых оттенков на неровной поверхности – одного и того же – снега, пятна солнечного света, проступающие сквозь кроны деревьев, переданные цветом, помогают ощутить светло-воздушное пространство, заполняющее полотно («Тихо в лесу» (1999 г.)). Детали дальнего плана основательно прорисованы, на переднем плане блестят пушистые белые снежные хлопья на вершинах молодых елей – это все оттеняет прозрачность тишины, повисшей в зимнем воздухе. Картина зимы, поданная художником, величественна и очень красива, осязаема. Художник показывает зрителю красочное богатство природы, избегая при этом декоративности с собственным содержанием, но сохраняя существующую пространственную иллюзию.

Где бы ни находились картины Карапаева, их всегда можно заметить и вы делить по самобытности, яркости, по уверенности в том, что именно они являются продолжением традиций русской пленэрной школы, этапом ее нынешнего развития. Присущие импрессионизму живописные приемы: отказ от детализации, разложение цвета, наполнение полотна свето-воздушной средой – объединяются в творчестве Карапаева с толкованием пейзажных задач, характерным для истинного реалиста. Эти два живописных мышления сочетаются в творчестве художника особым образом, и в этом чувствуется значимая роль вековых традиций федоскинской школы, которая придает русскому реалистическому пейзажу исполнение в наиболее яркой манере, истоки которой – в лаковой миниатюре. Художник в какой-то мере вооружается достижениями импрессионизма, чтобы по-своему поменять формат федоскинской школы живописи. В книге отзывов на его выставке было точно подмечено, что его живопись задушевна и поэтична, что она является песней, сложенной «из запахов весны, снежных елей и цветущего иван-чая». Зритель был по-настоящему благодарен художнику за его счастливое открытие, и остается благодарным и поныне.

Все художники »